Lo mejor de Madrid (del 1 al 6 de mayo)
Representación de Antígona. Foto: Luis Castilla.
Representación de Antígona. Foto: Luis Castilla.
Una nueva entrega de la agenda de ‘El Asombrario’ con lo mejor de Madrid durante esta semana. Teatro, cine, libros, exposiciones, encuentros y todo lo que ni te puedes imaginar.
TEATRO
#Teatro de la Ciudad. El Proyecto
Alfredo Sanzol, Andrés Lima y Miguel del Arco han unido fuerzas para crear un nuevo proyecto concebido como una apuesta por la investigación, reflexión, creación, producción y exhibición del teatro contemporáneo. La puesta en marcha se inició en junio pasado con la convocatoria del taller Mito y Razón, dedicado a Antígona/Medea/Edipo, al que han seguido otros siete talleres de investigación. Ahora todo ese trabajo culmina con el estreno en Teatro de La Abadía de tres espectáculos y una experiencia teatral, todo alrededor de la tragedia clásica, el género que está en el centro de la formación de la ciudad y de la democracia.
Antígona, dirigido por Miguel del Arco; Medea, con dirección de Andrés Lima; Edipo Rey, dirigido por Alfredo Sanzol; y Entusiasmo, con dirección conjunta; una fiesta, un lugar de encuentro entre los profesionales que componen Teatro de la Ciudad, los que participaron en los talleres, amigos, artistas y el público, una manera de continuar la celebración después de las tragedias…
#Antígona (versión libre de la obra de Sófocles)
“De la suerte que el destino tiene asignada a los mortales, no hay quien pueda evadirse”.
“Creonte y Antígona. Tío y sobrina. Una muchacha enfrentada a la máxima representación del Estado. Un momento de desequilibrio en el que un ser humano ‘debe aferrarse de la manera más estrecha a sí mismo’, atenerse a su identidad con la máxima firmeza. Ni Antígona ni Creonte pueden ceder sin falsear su ser esencial. Ambos tienen razón… Ambos creen tenerla. Los dos obcecados en sus respectivos discursos. Sordos en los extremos… Los demás, sobrecogidos, al comprobar ‘cuán horriblemente fácil es que el ser humano quede reducido a menos de lo que es o transportado a más de lo que es, pues ambos movimientos son igualmente fatales para su identidad y su progreso”. Miguel del Arco.
¿Por qué tu elección ha sido Antígona? «Para mí el teatro es y debe ser fundamentalmente conflicto y uno de los más grandes que conozco es el que se plantea entre Antígona y Creonte, pues engloba todos los problemas que Sófocles ya observó en la joven democracia ateniense, base de nuestra civilización occidental: individuo frente a sociedad, el ser espiritual y el ser civil o Derecho natural y Derecho positivo».
Dirección y adaptación: Miguel del Arco. Reparto: Manuela Paso, Ángela Cremonte, Carmen Machi , Santi Marín , Silvia Álvarez , José Luis Martínez , Raúl Prieto y Cristóbal Suárez.
#Medea (basada en la obra de Séneca)
“Todavía no sabes lo que es llorar, espera a que seas viejo”. Eurípides, Medea.
“No hay mayor dolor que el amor”. Dice Medea, dice Séneca. Si esto es así…, ¿qué hacer? ¿Acaso no hemos sentido esto alguna vez? Medea es atrevimiento, Medea mete la mano entera en nuestras heridas y nos enfrenta a nuestros terrores o, mejor dicho, a nuestros dolores o, mejor dicho, si el dolor es signo de vida, a nuestra vida. Por eso me da miedo Medea y, sin embargo, no puedo dejar de mirar». Andrés Lima.
¿Por qué Medea? «La verdad es que era una idea que tenía hace tiempo. Me interesaba trabajar lo que plantea su personaje, especialmente a partir del texto de Séneca. Considero que habla de una manera más moderna, porque trabaja desde el centro del dolor de una persona a la que el amor prácticamente la lleva a la destrucción…. Medea es capaz de hacer una de las cosas más atroces que podemos imaginar: matar a sus hijos. La obra plantea el enloquecimiento de un ser humano que destruye todo lo que crea. Prácticamente en una de sus últimas entrevistas, Günter Grass decía que era el ser humano quien genera la destrucción. Los mitos griegos simbolizan muy bien al ser humano cuando presentan a unos dioses que no son responsables de nada. Lo que se plantea en Medea es una reflexión sobre el camino que lleva el ser humano hacia la guerra. Es un personaje tan poliédrico, tan bello, tan brutal… Y también está clara la reivindicación de la mujer, del poder de decisión de la mujer, pese a que puedan surgir consecuencias tremendas».
Dirección y adaptación: Andrés Lima. Reparto: Aitana Sánchez-Gijón, Andrés Lima, Laura Galán, Joana Gomila.
#Edipo Rey
“Esta es la primera vez que he iniciado un proceso de ensayos después de un proceso previo de talleres a lo largo de un año. Así que el primer día de ensayos no fue tal. El imaginario de todos estaba plagado de imágenes, sensaciones y emociones que queríamos contar. Y dentro de estas imágenes ha sido esencial el trabajo que hemos realizado al que llamaré tiempo mítico-familiar. Una cosa es el tiempo mítico en el que se origina el argumento de Edipo. Otro el presente. Y entre medias nos hemos inventado un tiempo puente que es el mítico-familiar que nos ha servido para traer al presente lo que por influencia de los prejuicios ponemos en lugar casi inalcanzable: el tiempo mítico en el que se crearon los personajes. Por analogía nos hemos acercado a estos personajes trabajando con familiares de los actores, y no hemos elegido a estos familiares en función de lo que se pareciesen o no a los personajes, sino que lo hemos hecho por azar/ gusto/y preferencia de los actores. Luego las cosas han encajado. Y no diré que por casualidad, sino por causas que desconocemos, que es más real. La grandeza de Edipo está en el empeño por conocer la verdad. Edipo no escucha. Actúa. Confía en sí mismo. En su grandeza, en la del hombre que derrotó a la Esfinge, en la del magnánimo rey de Tebas, Edipo no puede permitirse parar, tiene que seguir adelante. Tiene que saber, porque él se lo impone, quién fue el asesino de Layo. Y Edipo descubrirá que él mismo fue el asesino. Y descubrirá que Layo era su verdadero padre. Descubrirá que Yocasta, la mujer con la que ha tenido cuatro hijos, es su madre, su verdadera madre. Edipo descubrirá que su grandeza tenía pies de miseria. Que su historia es la del hombre que lo era todo, y descubrió ser menos que nada. La historia del hombre que por salvar a la ciudad, se hundió a sí mismo. La historia del hombre que al descubrir la verdad decidió no volver a ver la luz”. Alfredo Sanzol
Dirección y versión: Alfredo Sanzol. Reparto: Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Juan Antonio Lumbreras, Eva Trancón.
El jueves 30 de abril, el proceso creativo culmina con la puesta en escena de Entusiasmo en la sala José Luis Alonso, una experiencia escénica que aglutinará algunos de los elementos esenciales y conceptos básicos que dan forma y vida al proyecto de Teatro de la Ciudad, bajo la dirección conjunta de los tres directores: Del Arco / Lima / Sanzol.
Hasta el 21 de junio. Teatro de la Abadía. Fernández de los Ríos, 67. Horarios y representaciones en www.teatroabadia.com
#Ternura negra
Un autor y director de teatro obsesionado con la figura de María Estuardo se instala en una tienda de campaña junto al castillo de Tutbury, donde la reina pasó gran parte de su cautiverio. Pretende comunicarse con el fantasma de la trágica y última reina de Escocia. Helado en el interior de su tienda de campaña, el autor se dirige a través de Skype a una actriz y a un actor que ensayan en una buhardilla destartalada y con goteras. No es un asunto fácil, pero se complica todavía más cuando el autor decide colarse en una habitación del castillo que ha sido clausurada por su alarmante grado de actividad paranormal. Las cosas más inesperadas pueden pasar en una sesión de espiritismo a través de Skype.
Dirección y guión: Denise Despeyroux. Reparto: Ester Bellver, Joan Carles Suau y Fernando Cayo.
Días 1 y 2 de mayo (20.30 h), 3 de mayo (19.30). La ZonaKubik. Primitiva Gañán, 5.
#Algo en el aire
Como profesional de la cultura, de alguna forma me siento en la obligación de conocer, investigar y preocuparme por el teatro contemporáneo universal. Saber qué historias se cuentan en los teatros de todo el mundo. Fruto de ésta, no sé si sana o insana curiosidad, leí Algo en el aire. Me sorprendió, me encantó. Pero, por supuesto, la poderosa razón que realmente fundamenta mi entusiasmo es su maravillosa y fascinante historia, su estructura original y perfecta.
El reto de montar una obra de teatro con tan sólo dos personajes -que nunca hablan entre sí- , una obra en la que casi no hay ninguna acción en el escenario, en la que no hay una revelación repentina, en la que el personaje que motiva el drama nunca aparece… El guión es de una calidad impecable. La historia se refiere a un hermano y una hermana, Athol y Morna, que por alguna razón no se han hablado durante 14 años. Ese silencio está a punto de llegar a su fin cuando Joshua, el hijo de Morna, decide, en el momento en que va a cumplir 21 años, visitar a su tío. El hermano y la hermana habitan en dos mundos diferentes, tanto psicológica como físicamente. Athol instala suelos en Glasgow, Morna limpia casas en Edimburgo. Él sobrio, ella salvaje. Él de Simple Minds, ella de U2. Un retrato pequeño y poderoso de la difícil conexión, a pesar de la sangre, casi como un milagro.
David Harrower elige contar la historia de los personajes a través de monólogos que casi imperceptiblemente van hilvanando y alimentándose.
Autor: David Harrower. Dirección: Pilar Massa. Reparto: José Vicente Moiron y Pilar Massa.
Lunes a las 20.00 h. Teatro Lara. Corredera Baja de San Pablo, 15.
Foto de Bernad Plossu
ARTE
#Bernard Plossu
La fotografía de viaje es la piedra angular de la carrera artística de Bernard Plossu (1945 Dá Lat, Vietnam). Esta exposición muestra 40 fotografías entre las que se encuentran 25 obras inéditas del Oeste americano realizadas en la década de los 70 y una selección de 12 de sus imágenes más conocidas. Fotógrafo inquieto, su espíritu nómada le ha llevado a recorrer todo el mundo. A través de fotografías de pequeño y mediano formato realiza un acercamiento al paisaje íntimo y poético. Un acercamiento a la realidad que sólo consigue tras largas horas de caminata y silencio poniendo su mirada en lo más sencillo y cotidiano.
La exposición incluye cinco imágenes inéditas positivadas al carbón fresson que muestran una faceta singular de la obra de Plossu, su trabajo en color, cuya importancia radica en que, desde 1975, Plossu no trabaja con el color, sino que utiliza el blanco y negro con una lente de 50 mm.
La obra del fotógrafo francés es una amplia respuesta a su vocación viajera. Con seis años regresa junto a su familia a París y en 1958 realiza un viaje iniciático al Sáhara con una cámara Brownie Flash que le regala su padre. Durante su primera juventud asiste con asiduidad a la Filmoteca de París. Lo que allí ve le influye intensamente, declarando que su fotografía «es hija de ese cine de la Nouvelle Vague que se hacía durante los años 50 y 60 del siglo pasado». En 1965 viaja a México y, desde entonces, ha fotografiado gran número de países, con especial dedicación al Norte de África, los desiertos africanos y americanos y la Europa mediterránea. A partir de 1975, fecha de su primer viaje a Níger, comienza a trabajar en blanco y negro, buscando permanentemente la escala tonal exacta. En 1988 recibió el Premio Nacional de Fotografía de Francia.
Hasta el 31 de mayo. La Fábrica. Alameda, 9.
#Jerusalén en la memoria
Jerusalén tal como era a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, a través de fotografías procedentes de la colección del Sultán Otomano Abdulhamid II y de los archivos del IRCICA en el Palacio de Yıldız (Estambul) es lo que nos muestra esta selección de imágenes.
A lo largo de su historia milenaria, Jerusalén fue un cruce de caminos entre diferentes civilizaciones y fue sucesivamente gobernada por distintos Estados. Como resultado de esa historia única, Jerusalén se convirtió en Ciudad Santa para las tres religiones del Libro: islam, cristianismo y judaísmo. Las estructuras y asentamientos, la vida social, los santuarios, los monumentos y las tradiciones de la ciudad dan testimonio de un patrimonio multicultural en el cual convergen para siempre las creencias de todos aquellos que veneran Jerusalén. Estas fotografías, que datan del periodo otomano tardío, también evocan la memoria compartida de un tiempo de tolerancia durante el cual la existencia y el patrimonio de cada fe eran respetados y preservados.
Debido a su especial importancia, tan pronto como se desarrolló la técnica fotográfica Jerusalén fue visitada por fotógrafos procedentes de distintos países, incluido el Estado Otomano. La Corte Otomana se encontró entre los primeros en el mundo en adquirir fotografías de Jerusalén y de Palestina en general. Dichas fotografías fueron incluidas en la colección del Palacio de Yıldız. Las copias impresas y digitales de dichas fotografías se conservan hoy en día en los archivos del IRCICA junto con otras colecciones. La muestra presentada en Casa Árabe se complementa con una pequeña selección de fotografías del Jerusalén contemporáneo, facilitadas por la Misión Diplomática de Palestina en España, y que ilustran la pervivencia de este legado histórico hasta nuestros días.
Hasta el 28 de mayo. Casa Árabe. Alcalá, 62. De lunes a sábados, de 11.00 a 15.00 y de 16.00 a 19.30 horas. Domingos, de 11.00 a 15.00 horas.
Conferencia. Jerusalén en la memoria
Con motivo de la exposición, Halit Eren, director general del Centro de Investigación de Historia, Arte y Cultura Islámica (IRCICA) ofrecerá una conferencia en la que hablará de la visión de Jersusalén de finales del siglo XIX y principios del XX que nos ha llegado a través de fotografías procedentes de la colección del Sultán Otomano Abdulhamid II y de los archivos del IRCICA en el Palacio de Yıldız (Estambul).
El acto contará además con la participación de Ömer Önhon, embajador de la República de Turquía en España; Musa Odeh, embajador de Palestina en España, y Eduardo López Busquets, director general de Casa Árabe.
Lunes 4 de mayo. Auditorio de Casa Árabe. Alcalá, 62. 19.30 horas.
#Fernando Vicente. Universos
Más de 200 obras nos sumergen en el mundo de este ilustrador en esta gran retrospectiva. Fernando Vicente (Madrid, 1963) se caracteriza por contar historias en cada uno de sus dibujos. Es un narrador capaz de penetrar en el alma del personaje retratado. En su dibujo cabe el realismo, como en una foto, pero también los sentimientos y la psicología del protagonista de la imagen.
Tras más de 50 exposiciones, la muestra que ahora acoge el Museo ABC es una gran recopilación de algunas de sus obras más representativas. Un recorrido por más de tres décadas de trabajo. Compuesta por dos centenares de obras originales, propiedad del artista, la exposición recoge una gran cantidad de retratos de personajes célebres e ilustraciones para libros clásicos (Kafka, Jane Austen, Arthur Conan Doyle…). El recorrido se inicia con una mirada sobre los años 80. Los comienzos de Fernando Vicente. Allí nos encontramos con pósters de la época, portadas de discos y muestras de las revistas Madriz y La Luna de Madrid. Continúa con su trabajo para la prensa, tanto cultural como de opinión, seguido de revistas y portadas, nacionales y extranjeras. En el apartado de libros, la muestra reúne portadas de ediciones para adultos, pero también libros infantiles y algún álbum ilustrado. Vicente tiene también una estrecha relación con el mundo de la moda. En la muestra se plasma a través de las ilustraciones hechas para las principales revistas de moda de nuestro país, tanto masculinas como femeninas. Su pasión por el mundo Pin-Up le ha llevado a trabajar en varios libros, barajas de póker y colaboraciones con otras publicaciones generalistas. Completan la muestra varias series de retratos de personajes conocidos, escritores y músicos.
Hasta el 10 de mayo. Museo ABC. Amaniel, 29. De martes a sábados: de 11.00 a 20.00 h. Domingos: de 11.00 a 14.00 h.
La Traviata.
MÚSICA
#Semana de la Ópera del Teatro Real
Siete días llenos de actividades lúdicas y educativas, nacionales e internacionales, en vivo o retransmitidas, para unir en torno a la ópera sinergias generadas en diferentes espacios artísticos y culturales de Madrid, a través de las nuevas tecnologías y la colaboración de instituciones y patrocinadores.
Impulsada por la coincidencia, este año, de la Conferencia Internacional de Ópera Europa en Madrid y los Días Europeos de la Ópera, el Teatro Real ha ideado una programación especial para la primera semana de mayo con la que se pretende llevar el arte lírico a la calle, museos, universidades y a todos aquellos que quieran ver gratuitamente La Traviata, en directo, desde cualquier parte del mundo.
Entre el 6 y el 8 de mayo el Teatro Real acogerá a representantes de 150 teatros y festivales líricos procedentes de más de 40 países para la Conferencia Internacional de Ópera Europa. Durante tres días directores artísticos y gestores de teatros líricos procedentes de todos los continentes debatirán diversos temas, entre los que destaca el papel de las nuevas tecnologías al servicio de la difusión de la ópera.
Ópera en la fachada. Mientras en el interior del teatro se suceden los debates y coloquios, en su fachada principal, en la Plaza de Oriente, una pantalla ofrecerá a lo largo de los días 7 y 8 de mayo un maratón de ópera, con fragmentos de espectáculos, reportajes y vídeos promocionales, culminando con la retransmisión completa de ‘La Traviata’ en el teatro para todo el mundo, gratuitamente, a través de Palco Digital.
Además de la retransmisión en la Plaza de Oriente (donde habrá sorpresas), la ópera podrá seguirse en directo algunas de las instituciones culturales y artísticas como el Museo del Prado, Reina Sofía, Thyssen-Bornemisza, Matadero (Casa del Lector), Fundación Canal, Fundación Francisco Giner de los Ríos, Centro Cultural Conde Duque e Instituto Italiano de Cultura de Madrid.
Como colofón a la semana de la ópera, se celebrará una jornada gratuita de puertas abiertas el sábado 9 de mayo, desde las 10.00 hasta las 15.00 horas para que el público pueda visitar gratuitamente los espacios más emblemáticos del Teatro Real.
#La Traviata, de Giuseppe Verdi
“La Traviata tiene lugar en habitaciones y salones, ¡no en palacios! Mientras investigábamos sobre esta producción, el diseñador y yo visitamos los distintos escenarios reales que aún existen de la novela original de Alejandro Dumas, y nos sorprendió la intimidad del mundo en el que Alphonsine Plessis se instaló. Las exageradas proporciones de los decorados tradicionales de La Traviata guardan muy poca relación con la realidad del París marginal del siglo XIX. La fiesta de Violetta, en el primer acto, se desarrolla en un pequeño apartamento de cuatro habitaciones realmente muy lujoso, pero no en un salón de un palacio (no deberíamos olvidar que se realiza con el concreto propósito de celebrar el triunfo sobre la cercanía de la muerte y, en cierto sentido, para mostrar al público que todavía es seductora). Las mujeres sobre el escenario no son condesas ni duquesas, sino cortesanas, actrices, bailarinas y sirvientas: sombrereras, costureras, doncellas y alcahuetas. No se puede encontrar a ninguna mujer respetable en las fiestas de Violetta. Los hombres presentes pertenecen evidentemente a una clase social más alta. El propósito de la clase marginal era proporcionar entretenimiento, relajación, excitación y (para un joven como Alfredo) enseñanzas sexuales a hombres de cierto estatus y posición económica. Asimismo, la enigmática figura del doctor Grenvil sólo puede entenderse realmente en este contexto. En la vida real, en el siglo XIX, este personaje fue el doctor Koreff, médico inhabilitado que se ganaba la vida a duras penas practicando abortos y tratando las enfermedades venéreas de las cortesanas y su clientela. Esta producción busca deliberadamente despojar a La Traviata de elementos decorativos superfluos, ambientando la obra en su época pero dentro de una secuencia sombría con espacios pequeños y asfixiantes. Al igual que su corta vida, las opciones de Violetta son pocas y limitadas. La certeza de su muerte está ya escrita en el escueto epitafio de su tumba”. David McVicar, director de escena de la producción.
Música de Giuseppe Verdi. Libreto de Francesco María Piave, basado en la novela y la obra de teatro La Dame aux camélias, de Alejandro Dumas hijo. Director musical: Renato Palumbo. Director de escena: David McVicar.
Reparto: Violetta (Ermonela Jaho, Irina Lungu, Venera Dimadieva(, Alfredo (Francesco Demuro, Antonio Gandía, Teodor Ilincai), Giorgio Germont (Juan Jesús Rodríguez, Ángel Ódena, Leo Nucci), Flora (Marifé Nogales), Annina (Marta Urbieta), Gastone (Albert Casals), Dr. Grenvil (Fernando Radó), Giuseppe (Alejandro González), marqués de Obigny (Damián del Castillo), El barón de Duphol (César San Martín). Coro y Orquesta del Teatro Real.
Días 30 de abril, 2, 3, 5, 6, 7, 8 y 9 de mayo. 20.00 h. Domingos: 18.00 h. Teatro Real. Plaza de Isabel II s/n.
CINE
#DocumentaMadrid 2015. Festival Internacional de Documentales de Madrid
Más de 80 títulos (largos y cortos) pasarán por las diferentes pantallas del festival. Producciones que abordarán la multiplicidad de miradas a una misma realidad en una programación marcada por los contrastes.
La Sección Oficial ofrece una selección de las grandes producciones internacionales del año, en estreno absoluto en España. Virunga, (nominada al Oscar y producida por Leonardo DiCaprio), donde la vida natural del parque nacional se contrapone a la crudeza de la violencia endémica en el Congo; o La mirada del silencio (The Look of Silence), la película que, desde el punto de vista de las víctimas, completa la cruda The Act of Killing, presentada por Joshua Oppenheimer y ganadora de DocumentaMadrid 2013 y del Oscar al Mejor Documental 2014.
Desde que el mundo es mundo, la única representación española en la sección oficial, nos presenta la vida inalterable del campo como opción frente a la realidad que nos rodea en tiempos de crisis. La vuelta a las raíces salva también paradójicamente a los indios de una reserva de Minnesota en The Seventh Fire. La versión más cruda de la realidad nos llega a través de la mirada de los niños en Something Better to Come, donde en un Moscú en plena deriva hacia el capitalismo salvaje descubrimos Svalka, el mayor vertedero del mundo, controlado por la mafia rusa y en el que los más pequeños crecen solos en medio de la basura. Flotel Europa muestra la mirada de uno de los cientos de niños bosnios, refugiados durante años en el limbo de un centro de acogida flotante. La soledad y decepción de los soldados afganos en Tell the Spring Not to Come This Year, o de los excombatientes americanos en Irak de Of Men and War, o la paradoja de las invasiones, reflejada en Censored Voices, a través de los testimonios de militares israelíes que no llegan a entender por qué un pueblo perseguido, que busca la libertad, se convierte en ocupante. Frente a todo esto, la mirada divertida y combativa de los famosos activistas americanos en The Yes Men are revolting, y el documental musical al más puro estilo Jacques Demy de Chant ton BAC d’abord, donde un grupo de jóvenes cantan y cuentan su paso de la adolescencia a la vida adulta
Fuera de competición, y como película de clausura, Mother’s Wish, diez historias vistas y contadas por mujeres de todo el mundo, unidas por el tema de la maternidad.
La Sección Oficial presentará también 19 cortometrajes que competirán por el premio al mejor Corto Documental.
El cine documental español más reciente se estrena en Madrid dentro de Panorama. Para ello, el festival contará con la presencia de varios programadores internacionales que podrán conocer de primera mano la producción de este género.
DocumentaMadrid dedica su retrospectiva a la obra de una cineasta de origen español que ha triunfado fuera de nuestras fronteras: Carmen Cobos, elegida Producer on the Move del Festival de Cine de Cannes de 2009. El festival ofrecerá una amplia selección de sus producciones, que se inaugurará con la película que ella misma ha dirigido, Imperfect Harmony. Carmen Cobos ofrecerá una master class sobre la producción de cine documental
Cada año un ciclo especial programado en colaboración con Filmoteca Española completa el programa de proyecciones del festival. En este año de contrastes, el ciclo Una doble mirada indaga en la problemática relación entre un suceso y la manera de exponerlo. Partiendo de un hecho real, una película documental y un largometraje de ficción abordan el mismo tema desde un prisma diferente. El programa se compone de diez “miradas”, programas dobles que incluyen títulos como The Times of Harvey Milk, el documental realizado por Rob Epstein en 1984, y Milk, el largo de ficción que sobre el mismo político y activista americano realizó Gus Van Sant en 2008; o la doble versión sobre el asalto a la embajada de Canadá en Teherán que nos ofrece el largometraje de Ben Affleck Argo, y el documental rodado un año después Our Man in Teheran… entre otros.
Encuentros con realizadores, mesas redondas y otras actividades completarán el programa del festival.
Del 30 de abril al 10 de mayo. Cineteca Matadero. Plaza Legazpi, 8. Información de pases y horarios en www.documentamadrid.com
LIBROS
#El día señalado, de Enrique Vila-Matas (Nórdica Libros)
“Isabelle Dumarchey tenía diez años cuando una gitana le pronosticó que moriría sedienta y de pie, tal vez bailando, en un día de invierno muy lluvioso, de un año imposible de determinar. Sus padres no le dieron mayor importancia a esas palabras”. A partir de ese momento, toda su vida consistirá en evitar esas circunstancias, siempre alrededor de una fecha determinada. Cada año, al acercarse el día, vivirá aterrada por la posibilidad de que acontezcan los elementos que confirmarían el fatal augurio.
Miércoles 6 de mayo. La Central de Callao. Póstigo de San Martín, 8. 19.30 h.
ENCUENTROS
Introducción a FairCoop: Criptomonedas, cooperativismo abierto y equidad económica
FairCoop es una cooperativa mundial abierta combinando las ventajas de las nuevas tecnologías descentralizadas con los principios éticos y experiencia de activistas y colectivos de gran reputación, para intentar crear un nuevo sistema económico basado en la cooperación y en la justicia económica, y aportar herramientas y servicios financieros diseñados para la creación y reparto de riqueza común y libre.
Presentado por Pablo G. Prieto con el apoyo de Samer Hassan de P2P Value y Stacco Troncoso de la P2P Foundation.
La aparición de nuevas tecnologías disruptivas, en combinación con el momentum político actual, y el boom de la economía colaborativa (y sus sucedáneos) hacen de éste un año clave para el desarrollo y expansión de nuevas iniciativas sociales.
Jueves 30 de abril. Lab Medialab-Prado. Alameda, 15. 18.30 h.
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